Москва, Чистопрудный б-р, д. 5. Тел. +7 (985) 928-85-74, E-mail: cleargallery@gmail.com

Главная Страница
Проекты
Художники
Статьи
Журнал СОБРАНИЕ
Видео
Контакты
Друзья Галереи
 
 

Партнеры:

Статьи

Вера Чайковская.

«Упущенные возможности»  

        Как, однако, жаль, что письмо «бубнововалетца» Аристарха Лентулова к своему товарищу по объединению - Александру Куприну, написанное в 1921 году, затерялось среди множества искусствоведческих писаний. О нем почти не вспоминают. А оно пророческое! Оно о творчестве, которое не должно подчиняться каким-то головным «методам» и «экспериментам». Художник писал: «Дело в том, что мы ( речь идет о последователях супрематизма и кубизма,- В.Ч.)...умертвили душу почти в своем искусстве». И кончает свое письмо энергичным восклицанием: «Да здравствует душа и тело искусства!».  Подробно

 

И.А. Николаева.

Родное и Вселенское в творчестве Александра Егорова. 

       В название данной работы вынесен известный заголовок цикла статей Вячеслава Иванова, которые он собрал и издал в период войны и революции, в 1917 году. Заголовок этот в то время символизировал бытие и оценивал прочность русской религиозной традиции перед лицом грозных событий. К концу ХХ века, однако, он обрел иное измерение и стал метафорой, раскрывающей сущностные стороны обретенного русской культурой исторического опыта, - метафорой, которая и символизирует, и истолковывает, и осмысляет его концы и начала, его отрицательные и положительные полюса, его смыслы, воплощенные в искусстве и художественном творчестве, существующем ныне среди особенностей высокотехнологичного и социально организованного мира, пространство которого порой имеет странные и геометрически необъяснимые искривления. Они-то и создают сферы, где есть шанс обрести в искусстве не новые иллюзии, утешения или развлечения, а почувствовать свою сопричастность реализованным творческим замыслам художника, его размышлениям о судьбах культуры, отразившимся на холсте образам родных пейзажей, радости о сохранившихся по сей день храмах. Дороги к ним хотя и трудны, но открыты.   


Подробно 

Симфония «НЮ» Леонида Петрушина

Михаил Лазарев

     Живописно-графическая Симфония «НЮ» Леонида Петрушина может быть оценена только в общемировом контексте. В русском изобразительном искусстве традиции ню практически отсутствуют, что связано с преобладанием в нашем обществе восточноазиатского менталитета. В советские времена образ женщины в искусстве, как правило, был связан с телогрейкой и резиновыми сапогами. Нагое тело преследовалось так же, как и при исламском фундаментализме.

     Таким образом, истоки творения Петрушина можно усматривать еще во временах зарождения жанра ню, в эпохе Возрождения (не уходя размышлениями еще дальше, в античность). Именно там, в произведениях Джорджоне, Тициана и других художников воплотились идеальные представления о женской красоте, и дальше, столетие за столетием, через пышные формы барокко Рубенса, интимно-бытовое освоение жанра Рембрандтом, утонченно-грациозные, кокетливые рокальные произведения Буше, идеальную классику Энгра, бесплодную вторую половину XIX столетия, через подчеркнуто современный характер модели Эдуарда Мане, к поискам новых средств выражения в творчестве Пикассо и Модильяни.

В.Н. Тяжелов

Заслуженный работник культуры

      Изображение обнаженного женского тела - одна из древнейших тем мирового искусства. Красота обнаженного тела в Европе была открыта греками. Доблестный герой и прекрасная богиня запечатлены в античной скульптуре с необычайной выразительностью и силой. Человек представал в творениях греков как совершенное создание природы, пропорции его тела были идеальны, движения естественны, формы пластичны. Средневековье породило представление об обнаженном теле как греховном, а потому презираемом и аскетичном, но возвысило силу человеческого духа. Эти две концепции определили развитие темы обнаженного тела в европейском искусстве последующего времени. В XIX веке мужская натура перекочевала в учебные классы, а тема ню закрепилась почти исключительно за изображением женского тела. Именно здесь в конце столетия развернулась борьба между академизмом и новыми направлениями в искусстве. Обнаженные перестали быть вымышленными богинями и превратились в простых натурщиц или женщин за туалетом. Двадцатый век пошел дальше. 

Подробно...  

 

Михаил Лазарев.  «Кинетические объекты»  Леонида Петрушина 

      Леонид Петрушин - мастер портрета и вообще реалистического рисования - представил на этот раз зрителю свой цикл «Кинетические объекты». Разносторонность творческих интересов художника следует, видимо, искать не только в его натуре, но и в фундаментальном образовании плакатиста, профессии, подразумевающей универсальное видение мира, воплощение которого основано преимущественно на знаке и символе.

      Кинетические объекты Петрушина, отчасти ассоциируясь с начертательной геометрией, представляют тем самым крайний край геометрической абстракции. Если учесть, что символ подразумевает выражение каких-то общих понятий, а знак - единичных смыслов, то объекты Петрушина - это остроумно выверенная и построенная знаковая система. Конструкции многих из этих знаков картин, несмотря на их демонстративный минимализм, приближаются, пожалуй, к образному решению конкретных понятий или явлений.  Подробно...

 

Михаил Лазарев о творчестве Леонида Петрушина

      В маловыразительном разливе современного отечественного искусства (contemporary art) с его принципом «каждый, считающий себя художником, является таковым» есть все-таки отдельные персонажи, чье творчество отличается высоким профессионализ мом. Один из них - Леонид Петрушин, получивший академическое образование на графическом факультете Института имени В.И. Сурикова. Оттуда проистекает его мастерское владение возможностями изобразительного искусства. В соответствии с полученными там навыками он, в русле абсолютно миметической традиции, успешно оформил ряд книг. В отличие от «классиков»советских иллюстраторов, которые обычно сохраняли свой СТИЛЬ (как правило, «размывка тушью») независимо от содержания книги, Петрушин всякий раз изыскивает для нее созвучную ей стилистическую интонацию.

      Тем не менее, открывшиеся вольные просторы contemporary art закономерно и неудержимо увлекли Петрушина. В результате образовался в его пространстве...   Подробно...

 

Александр Якимович. «Мастер Азам» 

      Азам Атаханов - это мастер художественного дела в самом древнем смысле этого слова. Нормальный маэстро эпохи романтизма или импрессионизма должен был быть виртуозом, и до сих пор для наивных энтузиастов искусства художник - это блестящий талант, который легкой рукой прикасается к струнам, или пером к бумаге, или кистью к холсту. Впрочем, такой маэстро и «артист» стал вызывать большие подозрения в двадцатом веке; появились альтернативные представители профессии. Но все эти процессы происходили очень поздно на историческом пути развития искусств.

      Изначальный тип художника - это не «звезда», не разрушитель, не экспериментатор, а скорее служитель культа. В последние четыреста лет европейское человечество отвыкло от этой старинной породы, ибо привыкло ценить великолепных виртуозов. Но встречаются и особые случаи. Азам Атаханов - он из другого мироздания.

      Он словно вышел из такого мироустройства, когда художнику непозволительно было делать что-нибудь случайное. Своевольничать и баловаться было нельзя. Каждая линия, каждое пятно были знаками, обращенными к высшим силам...     Подробно... 

 

Григорий Климовицкий. «Душа и формы» 

Выступаю с величайшим смущением перед вами -
                                                                      сущими или желающими быть художниками, и это
                                                             смущение усиливается моими собственными
                                                                              теоретическими взглядами на художника и художество

Павел Флоренский

 

К истории жанра натюрморта

      Натюрморт всегда был жанром, чрезвычайно привлекательным для зрителя, ищущего в живописи удовольствия для глаза, причем удовольствия самого разнообразного. Фламандские лавки, голландские завтраки, французские букеты, итальянские горы плодов и испанские поставцы с рас­ставленными в ряд предметами - все это пленяет в искусстве старых мастеров своей живостью, узна­ваемостью и, вместе с тем, неповторимостью. Но и сосредоточенный анализ формы Сезанна, энер­гичный цвет Матисса, напряженное столкновение элементов у Пикассо, элегантные линии Озанфана доставляют глазу не меньшее наслаждение, но, отвлекая от поверхности предметов, увлекают к их сущности, к смыслу их взаимоотношений. Непосредственными предшественниками натюрморта как жанра служат изображения предметов в искусстве эпохи возрождения. Еще в XIV веке в росписи, вы­полненной художником Таддео Гадди во флорентийской церкви Санта Кроче, появляются изображе­ния ниш со стоящими в них предметами. В живописи итальянских и, в особенности, нидерландских мастеров предметы начинают привлекать к себе отдельное, специальное внимание. Художники со­единяют их в группы внутри интерьера, где действуют персонажи, или словно собирают на парапете перед Девой Марией с младенцем Христом. В Италии на протяжении всего XV века распространяются составленные из предметов композиции, которые выполнены в технике интарсии, т.е. представляют собой инкрустацию деревом по дереву. Циклы подобных натюрмортных панно с изображением откры­тых шкафов и ниш, заполненных многочисленными книгами, научными и музыкальными инструмен­тами и различной утварью, появляются и в церквях, и в оформлении кабинетов правителей-гумани­стов. Первый, еще единичный самостоятельный живописный натюрморт появляется в творчестве итальянского художника Якопо де Барабари в 1504 году, демонстрируя то, что важно для всей истории жанра: натюрморт формируется  и развивается во взаимодействии итальянских и северных устрем­лений.   Подробно...

 

Старый мастер. 
Владимир Циммерлинг и выставка в «Галерее на Чистых прудах»

      Название выставки заставляет задуматься о месте художника. Скульптор Владимир Циммерлинг (1931-2017), став профессионалом (творческий стаж он отсчитывал с 1956 г., когда еще не имел диплома об окончании Латвийской Академии Художеств), при жизни едва ли часто задумывался о стилизации своих произведений под работы современников или классиков.  Подробно...


Мария Москвичева. «Я живу на интуиции»  

Заголовок в газете: «Я живу на интуиции»
Опубликован в газете "Московский комсомолец" №26871 от 29 июля 2015

      Творчество Клары Голицыной стоит особняком в отечественном искусстве: на него невозможно навесить никакой ярлык, подогнать под определенный «изм». Все потому, что ее искусство постоянно трансформируется: от ранних реалистических опытов в авангардную, но еще фигуративную живопись, а позже в концептуальную абстракцию, созданную по особой системе мастера. Наверное, поэтому работы Голицыной легко вписываются в выставки молодых авторов, несмотря на ее почтенный возраст.

      ...Хрупкий силуэт. Короткая стрижка. Непосредственный нрав. Клару Голицыну ни с кем не спутать. Она воплощение свободолюбия и открытости. И ее скромная квартира на окраине Москвы красноречиво свидетельствует об этом. Здесь все устроено под художника: целая ниша занята многочисленными картинами, на полу - следы краски (здесь художница пишет большие работы), в центре интерьера - стол с компьютером (Голицына - активный пользователь, в том числе соцсетей) и старинный резной буфет, оставшийся от покойного мужа, актера Ивана Голицына... Эта обстановка знакома многим художникам - кто только не собирался на посиделки у Голицыной, целое поколение взращено в этих стенах... Подробно...

 

Н. Иванов. «Смыслы и образы Виктории Ларионовой»  

     Виктория Ларионова - современный российский художник, уникальный колорист.  Окончила художественно-графический факультет Московского педагогического института в 1969 году. Участвовала в различных художественных выставках с 1971 года. Живет и работает в настоящее время в Москве. 
    Картины В.Ларионовой входят в состав частных собраний России, Франции, США и Германии, а также находятся в музеях и галереях России, Германии и Китая.
Отличительная черта ее живописи - постоянная игра с пространством и цветом.
     Её картины создают ощущение акварельной легкости, при этом они написаны сильными точными мазками и насыщены внутренней энергией и динамикой.  Она свободно совмещает в картинном пространстве различные ракурсы и планы. Каждое ее полотно - это ожившая история, существующая в своем, пока неведомом нам пространстве и по своим законам.
      Цвет как единственный способ построения реальности - вот и концепция новой выставки Виктории Ларионовой "Пульсация цвета". Подробно...

 

В. Малолетков.  «МАСТЕР» 

         Персональная выставка московского художника Татьяны Белотеловой стала ярким явлением в культурной жизни столицы. Как известно, важную роль в отечественной культуре сыграло творчество выдающихся художников ХХ века А. Голубкиной, З.Серебряковой, В.Мухиной, А.Экстер, Л.Поповой и С.Лебедевой. Такого созвездия талантливых женщин-художников нет нигде в мире.  Подробно...

 

Светлана Шляпникова о выставке Елены Щетинкиной «СКВОЗЬ ЖАР ДУШИ...»    

       Елена Щетинкина работает циклами, но не задумывает их как программу. Они возникают по-разному: от полученных в путешествиях впечатлений, от погружения в другую культуру, часто как результат внутренних диалогов с близкими по духу поэтами и философами. Это всегда глубоко затрагивающие художницу темы, которые пересекаются и перетекают одна в другую, и к которым она постоянно возвращается. И, прежде всего, это вопросы проявления творческого начала. Для Елены Щетинкиной высшее проявление этой ипостаси - Александр Пушкин. Во внутреннем диалоге с ним художница размышляет о сущности искусства и о предназначении художника. В работах Е. Щетинкиной Пушкин живой, изменчивый, «непричесанный», для общения с ним достаточно просто посмотреть в его глаза или вспомнить строчки его стихов. К Елене Александровне он входит, не спросясь, разгуливает по разным циклам, воплощается в разных состояниях и материалах и шепчет в самое сердце, что «творческая душа едина и не имеет пола».

       Задаваясь вопросами о смысле жизни и роли художника, Елена Щетинкина приходит к важной теме сопряжения таких феноменов как Бог, человек, творец. Многократно перечитывает Евангелие, обращается к философским источникам. Ее способность воспринимать текст как живое явление, улавливать пульс поэтической и философской мысли рождают собственные пластические метафоры, которые впоследствии объединятся в два цикла - Евангельский и Бердяевский. Наряду со значительностью темой, в произведениях этих циклов решаются и весомые формальные задачи.
        Работая с большими скульптурными объемами, художница настолько ювелирно прорабатывает поверхности, что, кажется...Подробно...

 

 

Анна Флорковская. ДЫХАНЬЕ ПОЧВЫ И СУДЬБЫ

Когда строку диктует чувство,
Оно на сцену шлет раба,
И тут кончается искусство,
И дышат почва и судьба.

Б.Пастернак

 ... Нужно сказать, что,  называя художника «живописец» я  пишу чистую правду: Матвеев именно живописец -  художник,  владеющий стихией живописи. Эту стихию не так просто описать и тем более объяснить. Синтез цвета, пластической формы, движения, пространства, фактуры. Все эти довольно  абстрактные понятия, конечно, знакомы каждому. Их можно обнаружить в искусстве вообще, в разных его видах.  Но настоящая живопись обладает также и  неуловимой «душой», которую невозможно фальсифицировать, и без которой объект искусства будет чем-то иным, но не живописью.

   Так случилось, что в наше время, когда искусство захватывает все новые и новые территории визуального, когда  к традиционным его видам приращиваются  новые, живопись оказалась в довольно непростом положении. С одной стороны - художников, работающих красками на холсте, много. И живопись как вид искусства, так сказать,  «на глазу» у всех. С другой,  -  подлинная живопись повсеместно перерождается  в то, что некоторые называют  сегодня «псевдоживописью».     Подробно

 

 

Григорий Климовицкий. "Пленительная игра воображения".

      История моего знакомства с Николаем Лукашиным проста. В ЦДХ в 1995 году проходила его персональная выставка и я, как искусствовед, участвовал в ее проведении. Произведения художника были его естественным продолжением, и вместе они представляли целостный и самостоятельный художественный мир, со своей удивительно притягательной атмосферой и редкими непосредственностью и искренностью.  Довольно скоро знакомство переросло в дружбу. Поэтому я не претендую здесь на полную объективность моих оценок его искусства, впрочем, по-моему, вполне объективных оценок в искусстве не может быть. Искусство находится в прямой зависимости от своего творца. Без понимания этой зависимости восприятие искусства будет неполным. Подробно

 

М. Ивашина.
Мила Маркелова.

……чем предмет обыкновеннее, тем выше нужно быть поэту, чтобы извлечь из него необыкновенное,
и чтобы это необыкновенное было между прочим совершенная истина

                                                                                                                                         Н.Гоголь.

Мила Маркелова в мастерской показывает сочные, наполненные жизнью и эмоцией холсты. Передо мной проскальзывают лица… интересные, каждое изображено с любовью…

В последних картинах Милы Маркеловой главные герои – люди, разные. Не все знакомые, многие родные…. И эти портретные работы – это не просто изображения узнаваемых по ним людей, а портреты внутреннего состояния этих людей, состояния их души. Подробно


Т.И. Моргунова
Эммануил Борисович Бернштейн

      Эммануил Борисович Бернштейн принадлежит к поколению российских графиков, чье творчество пришлось на 30 - 90-е годы ушедшего столетия.
      Художник, архитектор, ученый, он более чем за шестьдесят лет создал около десяти тысяч произведений, многие из которых находятся в десятках музеев нашей страны и за рубежом. В их числе Третьяковская галерея, Музей архитектуры им. А.В. Щусева (Щусев лично отбирал работы Бернштейна для музейной коллекции), ГМИИ им. А.С. Пушкина, Музей истории Москвы, Литературный, Театральный им. А.А. Бахрушина и другие, а также художественные хранилища Вологды, Рязани, Перми, Киева, Львова, Брянска, Минска, Норильска, Санкт-Петербурга... Имеет свое собрание работ Бернштейна, посвященных Москве, и столичная Мэрия.
      Художник родился в 1914 году в Нижнем Новгороде. Подробно

 

Лариса Анпилова
Вера Калмыкова

Простые истины Аллы Филимоновой: на пути к символу             

     Когда нам напоминают о законах нравственности, говорят о том, что, в общем, знакомо давно и каждому, то нам порою становится скучно. Почему? Отчасти потому, что прописные истины не всегда могут увлечь, а зачастую звучат банально. Но всё же давайте признаем: в каждом поколении должны быть люди, которые будут их озвучивать, хотя бы только для того, чтобы давать им новую жизнь. Мы не рождаемся с готовыми понятиями о добре и зле, подлости и порядочности, с любовью к родине и памятью о предках. Для каждого нового поколения эту сетку координат необходимо выстраивать заново. Поэтому и нужно всякий раз проговаривать простые земные человеческие истины, необходимые и детям, и взрослым. В этом и есть, на наш взгляд, главная миссия Аллы Филимоновой.
      В этом и заключается основная ценность и притягательность её творчества. Ненавязчиво, убедительно, красиво и искренне она вновь и вновь вскрывает драгоценный смысл простых понятий, без которых жизнь становится неполноценной: тепло родного дома, притяжение родной земли, сопричастность к истории своей страны.
      Лучше один раз увидеть...   Подробно

 

 Вера Калмыкова.
"УЛОЧКА БЕЗ НАЗВАНИЯ"

      Лев Григорьевич Саксонов - художник парадоксальный. С одной стороны, он ставит и решает в своём искусстве глобальные проблемы, затрагивающие всё человечество. Такова, например, его серия «Холокост»: он первый и единственный в мире мастер, создавший изобразительную серию, посвящённую одной из трагедий Второй мировой войны. Причём способ решить её далёк от плакатности, ведь для автора всегда было важно найти символическую форму, далёкую от буквализма и вместе с тем выразительную, способную пробудить и эмоциональный. и интеллектуальный отклик у зрителя.    Подробно...

 

Валерий Пьянов

          Валерий Пьянов (1940-2012) - русский художник-нонконформист, представитель московского андеграунда 1960-х  - 1980-х годов, специалист в области реставрации древнерусской живописи. В 70-х - 80-х годах в составе групп «21», «17», «Мир живописи» и др. принимал активное участие в выставочной деятельности Живописной секции Московского объединенного комитета художников-графиков в легендарном выставочном зале на Малой Грузинской.  Подробно

 

Григорий Климовицкий.
"НЕВОЗМОЖНАЯ РЕАЛЬНОСТЬ" 

Мы все, насколько нам посильно,
Даруем жизнь мечте своей.            

Жан де Лафонтен 

          Евгений Бачурин - художник, бард, но главное в его творческой личности - он поэт. Здесь ключ к раскрытию его творчества в целом. Отсюда подвижность его образов в живописи. Они живут своей свободной, не отягощенной земным притяжением жизнью. Мы ощущаем в них действенный лиризм, с помощью которого они возрождают душу и сердце, возвышают наши чувства, укрепляют нашу решимость стать личностью, наделяют нас какой-то особой энергией. Они придают тонус нашей жизни.
        «Поэты первыми прекратили описывать реальность, вслед за ними художники перестали ей подражать» (Пьер Реверди). Настоящему поэту необходимо вовлечь читателя в путешествие по стране своего воображения. Это путешествие в край бесконечного. Это мираж. Но такой мираж чарует. Он содержит в себе динамику образов, а это уже неоспоримая психологическая реальность. У поэта есть потребность вербально выразить свое неуловимое воображение, а художнику необходимо претворить воображаемое в визуальное.  Творчество  Бачурина - это взаимодействие поэзии и живописи.  Подробно

 

Вера Калмыкова.
"ПОСЛЕПОЛУДЕННЫЙ ОТДЫХ МИРА. Евгений Бачурин." 

      Есть люди, которые словно сами себя обгоняют - и в результате к финишу так и не приходят, или приходят с другой стороны, или их триумф остается незамеченным. К ним явно принадлежит Евгений Владимирович Бачурин (1934-2015), и вот почему. Когда-то, в начале 1980-х гг., приглашая меня на какой-то бачуринский концерт, некто совсем случайный и прочно мною позабытый объяснял, что было-де время (по возрасту я помнить этого не могла), когда по популярности Бачурин пересиливал Высоцкого. Далее следовало пояснение, что несчастный бард вынужден был зарабатывать на жизнь презренным (!) трудом книжного иллюстратора, разбазаривая, так сказать, песенный талант. Подробно

   

Интервью с М.М. Алшибая

      В сентябре 2015 года Галерея на Чистых прудах представила выставку из личной коллекции Михаила Алшибая "Вне времени". Известный коллекционер и кардиохирург рассуждает над важнейшими темами современного искусства и не только...

Интервью: Елизавета Подколзина.  Подробно

 Любовь Шакирова. 
 Художник Константин Персидский (1954-2008) . 

      Шесть лет назад ушел из этого мира художник Константин Персидский. В пору своей творческой молодости, в 1984 году, он создал автопортрет, в котором обыграл ситуацию ухода, одновременно шутовскую и драматичную, в духе вампиловской «Утиной охоты». Ушел человек, сброшенной лягушачьей шкуркой разложил на кровати одежду, тут же поставил этюдник и тяжелые сапоги-вездеходы. На стене остался рисунок: вызывающе несерьезное, ухмыляющееся лицо обаятельного бородача. Веселый розыгрыш, прятки с «мементо мори»: вместо эпитафии - игривое «здесь был я». Автопортрет - лишь маска для посмертного карнавала, которую художник снимает с себя сам: того лица, которое он написал, больше нет. Он изменился и, неузнанный, стоит среди зрителей по другую сторону картины.  Подробно

 

Беседа Нины Шапкиной-Корчугановой с Юрием Петкевичем. Григорий  Климовицкий
"От лица - к лику, и - наоборот..."

      Когда-то я смотрел с друзьями документальный фильм Андрея Тарковского о его путешествии по Италии вместе с Тонино Гуэррой. В этом фильме Тарковский показывает на крупном плане лик знаменитой Мадонны дель Парто кисти Пьеро делла Франческа. Когда мы увидели ее, все встали и в один голос сказали: КАКОЕ ЛИЦО!  Подробно 

Григорий  Климовицкий
"Аннамухамед Зарипов - "хранитель древностей"

      Аннамухамед Зарипов хорошо известен художественной общественности. Он крупный художник, известный коллекционер (я подчеркиваю это названием своего очерка), талантливый педагог, меценат, издатель. Это настолько неординарная личность, что сначала я хотел озаглавить этот очерк «Случай Аннамухамеда Зарипова» - ведь случай - это что-то редкое, исключительное, нерядовое событие. Как художник он выделяется самобытностью, неповторимостью своего искусства. Представленные в этом альбоме произведения, выполненные в технике гуаши, - убедительное свидетельство его своего своеобразного и оригинального художественного дарования. Подробно

Вера Чайковская
"Зарипов в кругу друзей, или тоска по братству"

      Эту выставку я видела несколько лет назад в галерее А3, сейчас экспонатов стало  гораздо больше (около 400 портретов в разных жанрах, стилях, техниках). Ее сейчас показывают в городах нашей страны - Рязани, Ярославле, Пензе, Калуге, Волгограде, Саратове, Кирове... Уф, устала перечислять. В следующем году ее предполагают показать и в Москве. Что же показывают? И неужели  это  интересно?  Подробно

Валерия Олюнина
"Улисс наоборот и мир, покоящийся на бегемоте"

      Красота античная -  естественная, воспринятая, и  самодеятельно порождённая, порой обретающая тяжеловесную земную поступь, в своем единстве и борьбе были представлены в живописи Дмитрия Иконникова и скульптурных работах Михаила Дронова в проекте «Диалоги» в галерее «На Чистых прудах».  Подробно

 

Валерия Олюнина
"ЗА ПОВЕРХНОСТЬ ХОЛСТА"

      Рефлексировать на тему творчества Игоря Снегура должен, пожалуй, только искусствовед, ибо интеллектуалу – интеллектуалово. Всё, что напишется здесь ниже, будет укладываться в формулу «Снегур плюс бесконечность», и находиться в большом отдалении от самой альфы.

      В галерее «На Чистых прудах» проходит третья выставка художника, которую я видела. Подозреваю, что встречи мои с этими полотнами, коллажами кем-то заритмованы, потому что в первый и третий раз смотрела работы выдающегося авангардиста, участника громких выставок абстракционистов в Москве в студии Элия Белютина, организатора группы «20 Московских художников», в полном одиночестве – «двое в комнате: я и Снегур…» Подробно

Мария Валяева
"СТАРОЕ, НОВОЕ, ВЕЧНОЕ"
О творчестве Вячеслава Сидоренко

      Едва ли кто-то сможет выразить сомнение в том, что русская живопись первой половины ХХ века хорошо известна широкой публике и всесторонне изучена специалистами. Многочисленные выставки, публикации и монографии, фундаментальные экспозиции крупных музеев развернули перед зрителями грандиозную панораму художественных школ и направлений, представили творческие открытия выдающихся мастеров, показали интереснейшие находки их более скромных коллег и последователей. Однако чем глубже мы погружаемся в напластования десятилетий самой яркой эпохи отечественной культуры, тем более безграничными видятся ее горизонты, будто отступающие перед пристальным взором, раскрывая все новые и новые лица, явления, события. Оказывается, панорама еще далеко не полностью выстроена, за мощными и пастозными мазками ее полихромной живописи еще остаются незримыми деликатные движения тонкой кисти, нежные сочетания приглушенных тонов. Многое еще предстоит собрать и выявить, и, кажется, исчерпывающее представление об искусстве даже столь краткого исторического промежутка времени не составить никогда.
      Один из самых значительных вкладов в дело обогащения знаний историко-художественного процесса 1920-1930-х годов внесла неутомимая, темпераментная, бесконечно эрудированная и упорная в своем желании достичь совершенства Ольга Осиповна Ройтенберг. На страницах написанной ею уникальной по объему информации и таланту ее подачи книги «Неужели кто-то вспомнил, что мы были…» среди многих других возникает имя Вячеслава Леонидовича Сидоренко. Биографические сведения о нем, описания отдельных его произведений пунктиром проходят в тексте, несколько репродукций позволяют в самых общих чертах составить представление о художнике как о мастере пейзажа и портрета. Живопись Сидоренко кратко характеризуется как пример творчества молодого поколения представителей Саратовской школы, а его роль в художественной жизни справедливо связывается с исполнением миссии связного между саратовской и московской группами участников знаменитых выставок объединения «4 искусства». Подробно

Н. Пластов
"О Андрее Макарове"

      Во времена теперь уже давние, году, вероятно, в сорок девятом или пятидесятом, писали мы по весне этюды где-то в окрестностях Хотькова. Снег только что сошел, день был несолнечный, высокое светлое небо повторялось в круглом лесном озерце. Перелески, сквозистые, с остатками потемневших снегов, с робкой просинью реденьких цветов, опрокинуто гляделись в задумчивую тишину воды.
     Все трое, Андрей Макаров, Ефрем Зверьков и я, помниться, вполне бездумно воспринимали окружающую благодать: весен впереди было – не окинуть взглядом… Подробно

Е. Зверьков
"О Андрее Макарове"

      Истинное искусство живописи всегда базируется на национальных традициях. С моей точки зрения, Андрея Николаевича Макарова можно по праву отнести к ряду наследников таких замечательных мастеров русской пейзажной школы, как А. Саврасов, В. Серов, В. Бялыницкий-Бируля, Н. Крымов.
     Сейчас стерлись уже в памяти подробности, с чего началось наше знакомство. Помню только, что произошло это в период вступительных экзаменов в Суриковский институт. Красивый, стройный, высокий, он как-то сразу располагал к себе. Потом знакомство переросло в дружбу. И произошло это естественно, почти неощутимо. В сравнении с другими абитуриентами мы оба были старше возрастом, прошли военными дорогами. Сблизила нас и общая целеустремленности, с какой тянулись мы к искусству в новой, мирной жизни. К тому же родители его, отец и мать, были людьми удивительно приветливыми, интеллигентными в подлинном смысле этого слова. Мне нравилось бывать в их уютном домике-коттедже районе метро «Сокол». Общение с ними всегда было приятным и интересным. Подробно

Игорь Снегур
"СТАТИКА - ВСЕГДА ПРОШЛОЕ"

      Как текст в книге, как музыкальная партитура, так и живопись – продукт записи явлений живого во времени события. Восстановить живое во времени означает статику вскрыть, запустить часовой механизм времени. Ре-цептуализм предлагает это совершить. Оценку произведения сместить с формальной на драматическую – не на конечный продукт, но на творческий процесс. Наши чувства открывают мир данный природой: человек погружен в бытие, или в со-бытие динамическое, меняющееся: «никто дважды не войдет в одну воду». Но человек стремится к оптимальному - поменьше затрат, ибо покой сладок. Проще обсуждать знаки-символы, внешний вид, это отвечает оптимизации, болезнь эта присуща не только искусствоведам, но и художникам. Художник связан материальной культурой, общество потребляет – это естественно, но это узы. Если социальное бытие так обуславливает творчество, кому, как не искусствоведам взять на себя исследование изобразительного языка - «Живопись. Изобразительная речь». Но разнообразные стереотипы «стилей языка» - язык цеховой. Художник-автор познает правду через работу с материалом, опыт прямой и непосредственен, поэтому и результат глубок. Подробно

Игорь Снегур
"Эстетическое профанно"

      Эстетическое профанно, потому что оно не творчески приобретенное. ОНО НАМ ДАНО. Оно является условием, в котором мы развиваемся. И мы говорим: «Вот это Господь!». Мы слышим Законы, они становятся частью и нашей природы. Природа для нас старшая, она всех обняла - куда от нее денешься?
      Надо вспомнить духовного человека…Ты закрыл глаза, но продолжаешь жить. Ты не видишь ни красоты внешнего мира, ни его достоинств. Что мы видим? Черный квадрат. Браво, Малевич! Почему нам не поискать там духовного человека? Сначала себя, потом других. И в древние времена были провидцы, которые обращались к скрытому человеку, духовному. Когда мы слушаем музыку, очень неплохо закрыть глаза, чтобы ничто не отвлекало. Ответ на любой звук, аккорд, – внутри человека! В теле ли, в душе ли, в Духе - глаза закрыты, но вы присутствуете в реальном мире! Малевич предлагал закрыть глаза и слушать внутреннего человека, который ныне умален! Подробно

Александр Кацура
"МАНИФЕСТ ПОСТАРЬЕРГАРДА"

      Рисование картины, создание живописного полотна – это попытка вырваться за пределы этого мира (привычного, сдавленного, «падшего»), уйти в мир по виду нередко очень близкий, вот он – рукой подать – со знакомыми предметами и людьми. Но одновременно – и более далекий, более интересный, более загадочный, порою откровенно запредельный. Другими словами, это попытка создать рядом еще один мир и открыть в него окно. Дети делают это естественно и самозабвенно в соответствии со своей творческой человеческой природой. Взрослея, большинство забывает это прекрасное естественное чувство. Те, кто не в силах забыть, становятся художниками (часто вне всякой зависимости от полученного образования).
      Итак, картина, впрочем, как и всякий свободный рисунок, – окно (в мир другой, как правило, – более высокий по сравнению с окружающей нас жизнью; нередко – равный (как простое отражение жизни), но иногда – в мир более низкий, более тёмный, напоминающий преисподнюю). В этом смысле понятен недолгий (два-три столетия), но жаркий спор между плоским реализмом, доходящим до натурализма (буквальное отражение этого мира) и реализмом пластическим, творческим, пытающимся отыскать в мире этом черты и промысел мира горнего (или – через мучительное, болезненное противоречие – мира падшего, опустившегося чуть ли не до уровня ада), то есть того реализма, который готов превратиться в надреализм и сверхреализм. Подробно